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We Are Enfant Terrible ist ein Trio aus Paris, bestehend aus 2 adretten Boys und einer frechen Dame. Zusammengefunden haben sie bereist Jahr 2008 mit dem Plan verrückte Musik zu produzieren. Die Songs bestehen aus einem Elektro-Dance-Sound, gemischt mit Indie Rock, Synthpop und einem Hauch von 8bit-Musik. Auf der Bühne performen sie live mit Gitarren, Schlagzeug und neu-programmiertem Nintendo Game Boy. Nun veröffentlichen sie endlich ihr Debüt-Album "Explicit Pictures"!

Ihre Texte handeln davon, wie junge Leute die Welt heute sehen, wie sie elegant Fashion-Kultur, die Herrschaft des World Wide Web und den Zauber von Videospielen vereinen und trotzdem auf Menschlichkeit und echte Gefühle achten.

Das Trio spielte seine ersten Shows im Vorprogramm von Peaches und für das legendäre Label Delicious Vinyl (u. a. das Zuhause von Tone Loc und Young MC), dessen Mitgründer Rick Ross die Songs für "einzigartig, gut geschrieben" erklärte. Im bekannten Blog Drowned in Sound wurde "Eagles Don't Sparkle" durch Mundpropaganda zur Single of the week gewählt.

Besonders im deutschsprachigen Raum dürften viele bereits den Track "Steven Seagull", bei dem We Are Enfant Terrible mit den Durchstartern des Jahres 2010 Frittenbude zusammen arbeiteten. Zahlreiche Deutschlandshows im Vorprogramm von Frittenbude, verhalfen der Band bereits vor Veröffentlichung Ihres Debüts zu einer großen Fanbase hierzulande.

Im Bezug auf ihre Sexyness, ihre Energie und ihre wilden Live-Auftritte werden We Are Enfant Terrible gerne mit CSS, Goldfrapp, The Ting Tings oder The Kills verglichen. Die Band versteht es den Unterschied zwischen Rock und Elektro Pop zu verwischen und ihren eigenen Sound klar zu definieren.

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Aus der lauthals skandierten ersten Zeile des zweiten Bilderbuch-Albums sprechen ein kleines bisschen Weisheit und ein großer Bissen Thema, denn „Die Pest im Piemont“ widmet sich der Ambivalenz des Erwachsenwerdens.

Die Härte im Titel ist nur eines der Spiegelbilder, das sich in diesem zweischneidigen Schwert zeigt. Zum einen der Blick zurück auf eine Zeit, der man sich sprichwörtlich entwachsen fühlt. Auf der anderen Seite bereits erste Anzeichen von Nostalgie und Sehnsucht danach.

Maurice Ernst (voc/git), Peter Horazdovsky (b), Michael Krammer (git) und Andreas Födinger (dr) haben – eher aus einem verspielten Zufall heraus – in Italien reichlich metaphorische Unterlagen für ihren Zweitling gefunden. So steht „Jesolo“ symbolisch für ein Elternverhältnis, das von wenigen Gemeinsamkeiten außer dem heiligen Familienurlaub am heißgeliebten Mittelmeer zu erzählen weiß.

Man muss mitunter zweimal hinhören, um Maurice Ernsts hinterlistige Wort- und Sinnspiele zu durchschauen. Darf man als spontanes Allgemeinwissen voraussetzen, dass ein „Venezianischer Spiegel“ ein halbdurchlässiger ist (und damit den Text selbigen Stücks in ein ganz anderes Licht rückt)? Oder dass „La voce della luna“ nach einem Fellini-Film mit Roberto Benigni benannt ist?

Die ausgewiesenen Kunstfreunde spielen gerne mit dem Publikum und fordern es (bei allen unterstellten wie bewiesenen Mitsingqualitäten) noch lieber heraus – im Grunde etwas, das die thematisierte Gespaltenheit nur umso mehr auf den Punkt bringt. Da dürfen dann auch schon mal Soundexperimente Marke späte 70er, frühe 80er durchklingen. Da sind textlich wie musikalisch psychedelisch-hypnotischen Elemente nicht von der Hand zu weisen – wo sich wieder der Bogen zum Surrealismus schließen lässt, für den Bilderbuch schon beim ersten Album eine gewisse Vorliebe erkennen ließen.

In Frequenzen gegossen wurde „Die Pest im Piemont“ von Zebo Adam und Alex Tomann. (ua. Trouble Over Tokyo, Velojet, Francis International Airport). Der für hiesige Verhältnisse, ungewöhnliche Zugang zum Produzieren wurde von der Band bereits beim Erstlingswerk erkannt und genutzt. Das Debüt „Nelken & Schillinge“ (2009) katapultierte Bilderbuch immerhin binnen 18 Monaten vom oberösterreichischen Kremstal in praktisch jeden noch so versteckten Winkel mit bespielbarer Konzertbühne bis auf die größten Festivalbühnen des Landes. Die Nachfrage nach der Band stieg in diesem Zeitraum in geradezu unheimlichem Tempo.

Angesichts dessen wurde die zunächst leger für Herbst 2010 anberaumte Studiozeit recht schnell knapp. Den Raum für Experimente ließen sich Band und Produzenten-Duo dabei aber nicht nehmen – im Gegenteil: Vielmehr entstand das Gefühl, dass dieses verdichtete Zeit-Raum-Gefüge erstaunliche Gelegenheiten bietet - wie beispielsweise das in einer nächtlichen Jam-Session entstandene „Lambrusco“ zeigt.

Leider fällt das Konzert von FIREFOX AK aus.

Alle in der Heimat erworbenen Karten werden zurückerstattet. Karten die online erworben wurden werden von unserem Haussystem ADTickets an die Käufer zurückerstattet.

Hier die offizielle Mitteilung:

"The upcoming A New Devotion Tour, has been cancelled due to acute illness. Doctors' orders are several weeks of rest in order to get better, and sadly means I'm unable to follow through with the tour. I'm so sorry about all of this, and for all the people who were planning to come to see us play. But I promise we'll make it up to you, as soon as I get better.

I hope you all understand and respect this decision, as it was a very difficult and sad one to make. The song "Running On My Own" is out on German radio and "Color The Trees" everywhere else, so have a listen!

Love,
Firefox AK"

Quelle:
http://www.firefoxak.com/

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If modern music was a living organism, its arteries would be clogged by today’s surplus of jaded, apathetic hipster acts – and Last Days of April would be a life-saving jolt to the chest. For over a decade, LDOA brainchild Karl Larsson has brushed aside prevailing trends to go with his gut, helping his band’s evolution from a convulsive hardcore outfit (as on their self-titled 1997 debut) to an avant-garde alt rock phenomenon (2000’s Angel Youth) to a high-octane indie pop power- house (2007’s Might As Well Live). Throughout the transitions, one thing’s remained constant in the Stockholm-based group’s oeuvre: a big, beating heart.

Yes, music with a goddamn pulse. Rapturous guitar hooks that send electric currents through your veins; cards-on-the-table lyrics that slice right through the superego; cathartic, hair-raising choruses that grab you by the collar and shake you back to life. The kind of songs that ignite the airwaves (as they’ve done on hundreds of major radio and television stations around the globe) and leave audiences slack-jawed, fomented and goose bump-ridden – a common occurrence on the band’s countless European headline tours, festival gigs (Rock Am Ring, Rock Im Park, Hurricane, Hultsfred, etc.) and jaunts in Australia, the US and Japan, playing alongside big guns like Chris Cornell, Guided By Voices, The Lemonheads, Tegan & Sara, The Ataris , At The Drive-In and The Promise Ring.

So you hear that LDOA’s first album in three years is named Gooey and you scoff, ‘What is this syrupy, sentimental rubbish?’ But then you press play. “No Time For Dreams” creeps up on you with the gentle hum of a synthesizer, a pulsating bass line, and Larsson, in a bold voice wavering with unbridled emotion, asking: “When all is too late, when all is said and done/When my head is bald and my legs won’t run/Will I think of all I accomplished or all I could have done?” Suddenly, amid a stirring crescendo of fluttering pianos, staccato drums and spine-tingling guitar licks, the fleeting nature of life smacks you square in the face and you’re overcome with a bittersweet yearning for lost time. Feeling a little choked up? Don’t worry; it happens to the best of us.

Recorded by Larsson and engineer Frans Hägglund at three different studios – Riddarborgen, Mission Hall and Karl’s old house – Gooey manages to dial down Might As Well Live’s cranked amps for a gentler vibe while reintroducing the lush, eclectic instrumentation from LDOA’s days of yore. From the organ-backed, acoustic roots rock chug of “Forget About It” to the banjo-and-Korg-MonoPoly-addled guitar pop shimmer of “Why So Hasty?” this is the band at its most delicately organic and melodically blissful – thanks in part to an ace mixing job by Grammy winning producer Pelle Gunnerfeldt (Refused, The Hives), who manages to subtly weave the disc’s dense orchestrations into the glimmering atmospheres of these deceptively breezy tunes. In such subdued environs, Larsson’s blood-warm vocals have more emotional resonance than ever, tackling all-consuming infatuation (“I Can’t Control It”) and desolating heartsickness (“Heart”) with straightforward-yet-savage honesty. But he’s got no qualms sharing the limelight; The Lemonheads’ Evan Dando sings the gravelly lead on the reverb-laden “All The Same,” while Tegan Quin (of Tegan & Sara) joins Larsson for an intimate duet over a gripping backdrop of omnichords, pianos, farfisas and cymbals on “If (Don’t Ever Blame Yourself).”

In essence, Gooey does what every Last Days Of April album sets out to do: it fills you with serene melancholy and agonizing euphoria. It accesses those tender – and, well, gooey – caverns of the heart that are painful when touched, but it reveals beauty amid the anguish; just as the band will do when they play Scandinavian dates from December to January before embarking on a full-fledged European tour in late January. The album’s first single is “America,” an infectious, pastoral pop gem that ostensibly sounds like it could be Larsson’s tear-soaked goodbye to the States after playing the SXSW festival last March. But listen closely to those wistful melodies and nostalgic chords and you’ll find a deeper scar lingering beneath the surface – a yearning for a place, time or person you ache to go back to again but simply can’t. That’s the thing about LDOA’s music: everyone hears in it what hits them the hardest.

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Oh, diese Freundeskreise. Oh, die Musiker und Veranstalterinnen, diese alten Freundinnen und Kumpels, diese gemeinsam aufgenommenen Platten, gemeinsam verzauberten Orte, gemeinsam erdachten Lieder. Oh, diese wunderbare Ensembleplatte unter dem Namen einer Person. "Chiaroscuro" ist das erste Album des jungen Norwegers Einar Stray, eine Tür zur einer wunderbaren Zukunft und vielen möglichen Musikwelten, die uns aber noch nicht für sich interessieren können, denn wir können den Blick nicht von der Tür lassen, von den kunstvollen Beschlägen, vom Helldunkel ihrer Bemalung, von den Türen in der Tür. Wer weiß, wohin die führen.

Einar Stray ist Mitglied, Mitgestalter und Kind des norwegischen Alles-mit-Musik-und-Freundschaft-Konglomerats Spoontrain, und er legt mit "Chiaroscuro" sicherlich auch ein Dokument der Kraft dieser Gemeinschaft vor. Kunstvoll ergänzen Streicher, Gitarren, Rhythmik und Chorgesang Strays perlendes Klavier und seinen sacht driftenden Gesang, kombinieren sich die vielen zu einer eindringlichen Musik. Und doch lassen sie Einar Stray ganz freundschaftlich den Vortritt wie die Illinoisemakers Sufjan Stevens, die vielen Klimperer und Klonkerer dem Sigur-Rós-Solisten Jónsi, ganz Saddle Creek ihrem Bright Eyes.

Sieben Stücke, fünfzig Minuten: "Chiaroscuro" ist eine weit ausholende Geste, ein Versuch, die ganze große Welt in ein kleines Modell zu fassen. Der Versuch muss scheitern, doch das tut er voller Anmut und Schönheit: Mitsingrefrains für die Seele, Mitklopfrhythmen für das Herz, dramatische Fahrten durch dramatische Landschaften, schmucke Liebesperlen passen in diese rissige Schneekugel, Lärmausbrüche und ewige Schönheiten, schwer am Gemüt zerrende Gewichte und tausendliterweise Trost. Tür, Dokument, Schneekugel, Helldunkel ist "Chiaroscuro" und Sturmflut obendrein, auf die kein Reigen hinkender Metaphern Sie angemessen vorbereiten kann. Stürzen Sie sich hinein!

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Bei I Heart Sharks können wir endlich ohne Saufbratzenrave zu Indietronic tanzen, denn es geht hier um etwas. Es mag hin und wieder nach NDW klingen, aber es gibt hier so viel mehr. Es steckt etwas dahinter. Etwas mit britischem Akzent, eine Randbezeichnung der Neuzeit, der Großstadt, des Hinterhofs, von dem so viele wissen. Hier findet die Kollaboration von Einflüssen statt. Echter Britpop wird vom Berliner Electronica verführt. Und das geht nicht romantisch zu sondern dreckig und leidenschaftlich. Natürlich funktioniert das nur im Dunkeln und mit grellen Blitzen, natürlich funktioniert das nur, wenn zugelassen wird, das etwas passiert zwischen Synthesizern und ohne Playbacks. In der Unmittelbarkeit und ohne Angst ist man immer dort zuhause, wo man gerade ist, und das kann im Berghain sein, das kann im eigenen und auch mal in fremden Betten sein. In jedem Fall ist immer der Drang nach vorn zu spüren, der Sprung über den Abgrund.

Wenn I HEART SHAKRS live vor dir stehen, dann ist da eine Unmittelbarkeit und das Gefühl, dass man sich abgefunden hat mit der Imperfektion aber niemals mit dem Plastik und niemals mit dem vorgegebenem Tempo, niemals. Das Ding hat Kratzer, aber es funktioniert, es funktioniert nur so, halb- automatisch und immer in between. Das sind keine Fehler, das Experiment.

Simon, Georg und Pierre sind I HEART SHARKS. One English boy, one German boy, one lost boy.

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Die ausgiebige Tour zum dritten FOTOS Album "Porzellan" endete zwar im November in Portugal, doch Sänger Tom will aus den Akustik-Konzerten zwischen den Alben eine Tradition machen. Wie im Dezember 2009 und Frühjahr 2010 wird Tom Hessler Solo eine Tour absolvieren. Lieder spielen, die bei den Konzerten mit der ganzen Band oft auf der Strecke bleiben und einige neue, noch unveröffentlichte Songs zum ersten mal präsentiert. Die persönliche Athmosphäre, bei der Tom Hessler gerne die Geschichte hinter den Songs erzählt und die spezielle Instrumentierung, machen die eindinglichen, unterhaltsamen Akustik-Shows zum perfekten Konzerterlebnis.